Tintín: Spielberg nos vuelve a regalar el mejor cine de aventuras posible

Había miedo con esta adaptación de Tintín, el mítico cómic de Hergé con tantos seguidores y fans. La historieta capturó a medio mundo por su mezcla de humor, aventura, e inocencia, algo que no se sabía si se podría conseguir en la versión animada, y más aún siendo en la técnica de captura de movimiento en vez de en el clásico dibujo 2D con el que todos tenemos al joven reportero guardado en nuestra mente.

Ese miedo se evapora al ver lo que gente tan inteligente como Spielberg o Peter Jackson han conseguido en esta primera aventura cinematográfica de Tintín. Desde el respeto y el homenaje, así lo deja claro Spielberg con sus créditos iniciales y su "meta" escena inicial con cameo del propio Hergé (el colmo de los homenajes), y así se plantea el director su adaptación. Eso sí sin renunciar a su forma de concebir el cine, convirtiendo las demasiado naifs historias del personaje en una montaña rusa de acción y aventuras digna del mejor Indiana Jones.

Una película con un ritmo trepidante, ágil, divertida, que desprende en cada segundo la pasión del director por sus personajes, y que gracias a la técnica de animación empleada ha permitido a Spielberg realizar escenas y movimientos de cámara impensables en una película de acción real. Así el genial director nos regala toda una persecución en un sólo plano secuencia, la mejor parte del filme y una muestra más que este Tintín se encuentra alejado del 90% del cine de animación. Esto es cine en mayúsculas.

SEMINCI día 2: Pilar López de Ayala ilumina el festival

Pongamos por delante que creo que Pilar López de Ayala es, actualmente, una de las mejores actrices del cine español, capaz de arriesgar en productos minoritarios (trabajar con Guerín y Oliveira) y pasar a taquillazos (Intruders) sin perder un ápice de su personalidad y estando siempre prefecta en sus papeles.

Así que comenzar la Seminci con una película en la que ella vuelve a estar espléndida y con un acento argentino que parece nacida en el mismo Buenos Aires es algo maravilloso. Y es que además Medianeras (que así se titula la película) no se queda ahí. De una forma fresca, moderna (que no efectista), original y tremendamente encantadora la obra (ópera prima de su director) nos cuentan qué ocurre antes de que dos personas que parecen destinadas el uno para el otro se encuentren. Cruces fortuitos, percances que evitan su reunión... cantidad de excusas que son también utilizadas por el realizador para ir un poquito más lejos y criticar temas como las relaciones personales (o mejor cibernéticas) en la actualidad o el problema de la vivienda, siempre desde el punto de vista de dos seres tremendamente solos y maniáticos. Una muy interesante propuesta que se queda estancada tras su brillante comienzo pero que vuelve a remontar el vuelo para dejar una sonrisa en la boca a golpe de Ain't no mountain high enough.

La otra película española del día (Medianeras la produce el incombustible Lluis Miñarro) El Perfecto Desconocido no tuvo tan buena recepcción, y no es de extrañar. Una obra que nunca consigue encontrar su ritmo, ni su tono (es comedia, es drama.... en ningúno de ellos convence), y que se pierde en su mosaico de historias rurales (algunas bastante trilladas) en las que no terminar de cuajar ninguna. Ni las gotas de humor del personaje de la siempre genial Ana Wagener son suficientes para levantar esta obra. Una lástima pues se esperaba mucho del debut en el largo de Toni Bestard.

La tercera película del día es la seleccionada por Canadá para acudir a los Oscars, Monsieur Lazhar. Su acogida no ha podido ser mejor, una gran ovación (más intensa en el pase del público que en el de prensa) para un filme destinado a gustar que cuenta la historia de un profesor que acude a un instituto para sustituir al anterior maestro, muerto en circunstancias bastante trágicas. La historia transcurre siempre en un tono amable, agradable y a veces naif que hace que muchas veces nos acordemos de ese peliculón que era La Clase para recordarnos lo que es transmitir verdad y no doctrina de manual en un filme "escolar". Sin embargo el filme de Philippe Falardeu da un salto mortal en su última media hora y saca a relucir temas realmente interesantes que hasta ese momento no se había atrevido a mostrar, como la forma en que los alumnos se enfrentan a la muerte, a la culpa o la pérdida. Un último tramo de filme muy bueno que culmina con una fábula que llega al corazón del espectador. Podríamos estar ante un buen candidato a premio del público.

Mañana día presuntamente grande, desde América hablan maravillas de In Darkness de Agnieszka Holland, y los Dardenne pisan Valladolid tras triunfar en Cannes. Seguiremos informando.

Nanni Moretti inaugura la SEMINCI con su sátira religiosa Habemus Papam

Con la inestimable ayuda de Leo Harlem y su inimitable humor ha dado comienzo la 56 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid. Y lo ha hecho con la presencia de uno de los directores más prestigiosos en el circuito de festivales de todo el mundo: Nanni Moretti. El que fuera ganador de la Palma de Oro de Cannes por La Habitación del Hijo presentó en Valladolid Habemus Papam, su particular visión de la elección del máximo pontífice de la iglesia católica.

Tras su paso por Cannes el filme venía precedido de la etiqueta de ser una obra menor de Moretti y de ser excesivamente condescendiente con la religión a pesar de ser ateo confeso. Sin embargo, y a pesar de que efectivamente nos encontramos con una obra menor del realizador, no son estos los motivos por los que considero que Habemus Papam se queda en una prometedora película que partiendo de una idea genial no termina nunca de culminar la faena.

El punto de partida, realmente ingenioso, de esa elección (bastante surrealista y divertida) de un Papá que no quiere serlo prometía ser la oportunidad perfecta para realizar tanto una sátira en tono de humor de la vida en el vaticano como también para poder ahondar en qué se le pasa por la cabeza a alguien que es escogido sin que él quisiera como cabeza visible de una de las instituciones más seguidas del mundo.

Por desgracia nunca llegamos a ahondar profundamente en la mente de ese Papa perfectamente interpretado por Michel Piccoli, aunque si intuímos y vemos sus ganas de escapar y tener una vida llena de placeres que había olvidado. Este falta de profundidad hace que en ocasiones nos olvidemos de que tenemos delante la historia de un Papa que no quiere serlo y queramos centrarnos en la de sus cardenales y sus delirantes acciones.

Es en esta parte, en la vida dentro del Vaticano donde encontramos los mejores momentos del fime, algunos realmente divertidos y surrealistas que convierten la cinta en una comedia satírica que en ocasiones se siente más como constituíds de buenos momentos (algunos de ellos alargados y excesivos) que como una sola unidad.

Aun así, un filme interesante y que sirve perfectamente como lo que es, el preludio (con nota de prestigio incluída) que necesitaba la SEMINCI para dar su pistoletazo de salida.

Joe Wright con orgullo y sin prejuicio

Hanna por poco me llegas al corazón.

El artista es el creador de belleza.

Revelar el arte y ocultar al artista es la meta del arte.

El crítico es quien puede traducir de manera distinta o con nuevos materiales su impresión de la belleza…quienes descubren significados ruines en cosas hermosas están corrompidos sin ser elegantes, lo que es un defecto. Quienes encuentran significados bellos en cosas hermosas son espíritus cultivados. Para ellos hay esperanza.

Acaba la proyección de HANNA y salgo del cine, oigo comentarios sobre la peli, todos coinciden con mi opinión: Sí, la película esta bien pero…; me ha gustado pero…; yo esta parte la quitaría, me esperaba mucho más; y un largo etc. Somos personas que debido a nuestra pasión por el cine nos creemos en ocasiones con una superioridad moral para opinar sobre lo que acabamos de ver (menuda panda). De repente alguien me confiesa en un tono tímido que le ha encantado, la forma en la que está rodada, los actores, la música. Al día siguiente me propongo escribir la crítica de la película en el blog, me vienen a la mente el Prefacio de uno de mis libros favoritos (el retrato de Dorian Gray) y no puedo estar más de acuerdo con esas líneas que transcribo, y me pregunto hasta qué punto mi visión sobre la película es la correcta.

Bueno en resumen, actores ok, música ok, fotografía ok y el resto ok, lo que da como resultado una movie ok (dios, qué bien me ganaría la vida como crítico). Por poner “peros” puedes poner todos los que quieras desde la forma de rodar a veces cercana al videoclip, hasta la historia más manida y menos original que recuerdo haber visto últimamente (y eso que sigo Gossip Girl); sucintamente (ojo algunas personas pueden considerar el resto del párrafo un spoiler en vez de una sinopsis, saltar al siguiente en caso de no haber visto peli, thanks!) se trata de una chica modificada genéticamente, “dna abnornal”(jajaja, sorry), que tiene que vengar la muerte de su madre y cargarse a todos los malos tras entrenarse en un bosque con su padre. Todo parece ir en contra de la película que es fría, sucia, insensible, atípica y todo lo contrario a lo que Joe Wright nos tiene acostumbrado en sus dramas, más bien melodramas históricos (Expiación, orgullo y prejuicio, 2005) donde la belleza y el pasteleo se sienten en cada escena.

El director huye de lo convencional, trata de innovar (bieeeennnn!!!!!!) pero a veces no da el mejor resultado para la película (nooooo!!!!!!); Travelling imposibles en escenas de acción, primerísimos planos en escenas íntimas, cámaras en mano y en constante movimiento, en ocasiones, y planos fijos en otras (este tío otra cosa no, pero sabe manejar la cámara), The Chemical Brothers o “In the Hall of the Mountain King” de Grieg (también utilizado en La Red Social) sonando mientras la rubia intenta escapar y romper el cuello a quien se interponga en su camino todo envuelto en un viaje con continuas referencias a cuentos que es en lo que se transforma la película.

Yo lo que peor me sienta es que es un thriller sin tensión, ni misterio, la historia no te atrapa y la empatía con los personajes es nula pero tiene sus virtudes que son muchas y es más que recomendable teniendo en cuenta lo hay en cartelera. Espero de todas formas que cuando la miren lo hagan con los ojos de esta persona a la que le encantó porque realmente la peli con “peros” pero esta bien, es entretenida tiene un buen ritmo y nos da lo que promete sin ningún tipo de pretensión.

Cuando la vean me imagino que habrá diversidad de opiniones como la tarde en que la vi; pero como acaba Wilde en el mismo Prefacio la diversidad de opiniones sobre una obra de arte muestra que esa obra es nueva, compleja y que está viva. Cuando los críticos disienten, el artista está de acuerdo consigo mismo.

De mí para Wright por O.Wilde (por esta y el resto de sus pelis): A un hombre le podemos perdonar que haga algo últil siempre que no lo admire. La única excusa para hacer una cosa inútil es admirarla infinitamente. Todo arte es infinitamente inútil.

Y de esta forma tan pomposa acabo animando a ver cine sin prejuicios ni ojos inquisidores, a leer a Wilde y proponerme a escribir en el blog sin plagiar obras ajenas en la próxima ocasión.

Hanna por poco me llegas al corazón.

HappyThankYouMorePlease, but ForMeEnoughGracias

19 marzo, mi cumple otro año más y van…un amigo mío me dice que la crisis de los 30 se la inventaron los promotores inmobiliarios y los banqueros para vender casas, en mi caso la buena noticia es que como vivo en una crisis permanente no creo que me afecte mucho (un momento esto se puede considerar como buena noticia?), en cualquier caso hay gente para todo como en la peli que vi un par de semanas después HappyThankYouMorePlease, menudo titulito, básicamente trata sobre una serie de jóvenes de veintimuchos o treintaypocos que tratan de no caer en esa crisis, de buscar una felicidad en un Nueva York diseñado por Woody Allen (al que sucintamente hacen referencia sin mencionarlo), la peli tristemente recuerda en estética costumbrista a esos allens que todo el mundo reverencia y lo cierto es que hay que reconocer a Woody que con películas como Annie Hall, Manhattan, Hannah y sus hermanas, delitos y faltas y ese largo etcétera logró un nuevo género cinematográfico, las pelis con estética indie filmadas en Nueva York. No es un drama, aunque las historias sean tristes, no es una comedia, aunque los diálogos intentan arrancarte una sonrisa, hay también su dosis de amor, en ocasiones demasiado edulcorado para la situación.

En fin, pues eso una peli en Nueva York, sobre vidas de gente que comienzan a madurar en busca de una felicidad en la ciudad de los rascacielos…que qué tal la peli, pues no está mal del todo, tampoco es ninguna maravilla, hay que reconocer cierta habilidad para crear situaciones interesantes entre los personajes y en ocasiones los diálogos son chispeantes e incluso ocurrentes, pero no nos engañemos la película adopta un tono y se cree mucho mejor que lo que en realidad es (quizás como esta reseña) todo es imperfectamente perfecto, es un anuncio de ikea de dos horas donde gente descamisada y sin afeitar se enamora, se erigen tutores de niños abandonados, temen por el futuro de su pareja o simplemente buscan a alguien que les quiera, hay momentos muy tiernos y momentos un poco cursis, pero en ningún momento me aburrió y se deja ver, sin más, y eso es quizás lo que molesta, tengo la sensación por algunos diálogos o planos que es un poco pedante y que busca ser algo que no es, si pasamos por alto esos diálogos filosóficos que no llevan a ninguna parte y que terminan cansando podremos disfrutarla mejor, el director novel es popular por la sitcom How I met your mother y también protagoniza la película que para algo maneja el cotarro (ya de paso se enrolla con la tía más buena del reparto, Kate Mara, que parece que ha robado todo el rímel a sus compañeras de reparto).

Esta no es quizás la mejor crítica del mundo, pero es que la película tampoco lo es, así que me pongo simplemente a su nivel y no me extiendo más, para los amantes de las puntuaciones la pondría un 6; me quedo con la historia de la mujer calva (Malin Akerman), ¿Quién no se ha enamorado de quién no debía? ¿Porqué no intentarlo con alguien que sabes que te conviene y tratar de descubrir lo bueno que hay en esa persona?... (ahhhh, los actores creo que en general muy bien, y el niño también o incluso mejor, y eso que me suelen dar bastante grima los niños en las pelis), prometo que si la próxima peli que comente es mejor también me esforzaré más en escribir, pero las prisas a Rosh Radnor se le notan en la filmación, como me imagino que a mi en la redacción.

Sucker Punch: ¿Cine? No, un tedioso videojuego de casi dos horas

Zack Snyder quedó nombrado como uno de los directores más innovadores tras 300, filme que le puso en la órbita de hollywood y que arrasó en las taquillas de todo el mundo a pesar de su fuerte carga violenta.

Con 300 además Snyder demostró su gran poder visual al tratar una historia, y así lo plasmó en su siguiente película, la adaptación del cómic Watchmen, un trabajo que si bien fue reconocido por la crítica no sedujo al gran público (que sin duda esperaban otro tipo de filme por lo que desconocían el libro original ya que es una gran adaptación).

Por todo esto se esperaba con gran expectación Sucker Punch, la primera vez que Snyder escribe su propio guión y que por los primeros avances dejaba claro que se trataría de un film con su particular estilo visual en una historia ambientada en el mundo de la imaginación. Lo que nadie esperaba es que Sucker Punch se iba a convertir en la peor película de Snyder con diferencia, no se puede establecer una sentencia clara pero me atrevo a decir que Snyder debería abstenerse de escribir historias y dedicarse a la realización en exclusiva.

Sucker Punch resulta una suma de momentos inconexos, una serie de pantallas, como si de un videojuego se tratara, en las que nada tiene sentido, nada cuadra. La narración (por decir algo, ya que la película avanza a trompicones sin tener un hilo narrativo) se guiá más por las secuencias de acción que por la historia que cuenta y a los 15 minutos te das cuenta que el virtuosismo de Snyder rodando (impresionantes cinco primeros minutos) no van a ser suficientes para aguantar este aburrido videojuego de casi dos horas.

Por mucho que el filme se desarrolle en la mente de la protagonista esto no es una excusa para poder llenar la pantalla de todo lo que se le ocurra, debe existir algún vínculo con la historia que nos quiere contar, algo que una los dos mundos de Baby Doll y por desgracia, esto nunca ocurre. Ni siquiera puedes sentir la más mínima empatía por unas protagonistas planas y una historia más simple que el mecanismo de una polea. Puede que Zack Snyder haya querido realizar un híbrido de filme y videojuego, pero sientiéndolo mucho el resultado es una película vacía y tonta que confía demasiado en que su estética cautive tanto tus ojos que te olvides del resto.

Yo por mi parte lo tengo claro, el cine es cine, los videojuegos son videojuegos y prefiero dos horas de PlayStation que ver algo como Sucker Punch. Mi querido Zack, confío en que tu Superman con un guión ajeno y la producción del todopoderoso Christopher Nolan te eleven al lugar que (espero) no tenías que haber abandonado

Cisne Negro: Aronofsky nos lleva al centro de la locura

Tras el cambio de rumbo tomado con The Wrestler, Darren Aronofsky regresa a las pantallas con un filme que vuelve a centrarse en una mente torturada de esas que tanto le gustan. Gracias a Nina Sayers, esa bailarina reprimida por su madre y por sí misma, el director nos invita a dar un viaje por la locura, por la progresiva autodestrucción y transformación de Nina Sayers en un absoluto Cisne Negro.

Sin embargo Aronofsky adopta la misma decisión que tomó en su Luchador, pega su cámara nerviosa al cuello de Natalie Portman y la rodea y mece en cada uno de sus bailes, pocas veces una decisión es tan acertada ya que el filme se nos presenta desde el punto de vista del personaje de Nina, nunca observamos algo que ella no vea, ni que ella escuche o sienta, esta objetividad hace que compartamos todas sus paraonias y su progresivo viaje a los infiernos. A esto ayuda el inteligentísimo y casi surrealista uso del sonido, constantemente podemos escuichar risas, el batir de unas alas, el crujir de los huesos. El espectador se encuentra desde el minuto uno dentro de la compleja mente de Nina.

Balada Triste de Trompeta: fallida historia que a pesar del estilo visual de De la Iglesia cae en el ridículo

Quentin Tarantino consiguió en la fantástica Inglorious Basterds ofrecer su propia revisión de la historia mundial dando su punto de vista sobre la segunda guerra mundial contando una historia que ficcionaba la realidad desde un punto de vista gamberro, irónico y con un toque moderno.

Alex de la Iglesia, cuyo tipo de cine tiene mucho que ver con el de Tarantino, intenta en su última película hacer algo parecido, ofrecer su propia revisión de la historia de España a través de la violenta historia de amor fou de los dos protagonistas, dos payasos que suponen una metáfora de una España dividida. El problema es que donde Tarantino consiguió encontrar el tono justo, entre la película de espionaje y la parodia más absoluta De la Iglesia auesta por un tono realista e incluso trágico que choca frontalmente con lo que sus imágenes ofrecen. Esta “incongruencia” hace que en numerosas ocasiones la película resulte excesiva, desagradable (sus escenas de violencia son tratadas con tal drama y realismo que son difíciles de aguantar) e incluso en ocasiones ridícula (la moto en la cruz de valle de los caídos, el atentado contra carrero blanco…).

El filme de de la iglesia queda al final como una sucesión de cuadros, todos ellos buenas ideas en teoría, pero que una vez llevadas a la práctica no cohesionan y forman una película irregular, pagada de sí misma y demasiado consciente de una importancia que no siempre consigue.

No se puede negar el innegable talento visual de director, a pesar de sus defectos Balada Triste de Trompeta es un festín para los sentidos, tanto la banda sonora como la fotografía acompañan al particular estilo del director donostiarra ofreciendo continuamente imágenes de gran belleza (el circo montado en la cueva, la troupe andando sobre la lluvia…), eso sin contar unos de los mejores títulos de crédito del cine español, una batería de imágenes de nuestra “cultura” más arraigada. Es obligado destacar al trío protagonista, especialmente a Carlos Areces, conocido por todos los amantes de Muchachada Nui, que consigue dominar con naturalidad cada uno de los registros de su personaje con una facilidad apabullante, suya es gran parte de la película.

Es una pena que un filme con tantas posbilidades y que posee unos primeros 20 minutos impresionantes se quede en una obra fallida. Quizás es que esperabamos demasiado de Alex de la Iglesia, al que por otro lado no debemos quitar el ojo ya que sige siendo un personaje clave en nuestro cine actual

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: Preparándonos para el apoteosis final

La saga de Harry Potter ha sufrido en sus siete entregas grandes altibajos que nos han hecho poder disfrutar tanto de peliculones como su tercera entrega: Harry Potter y el Prisionero de Azkabán (estando Alfonso Cuarón al mando algo bueno tenía que salir) hasta decepciones y películas más cercanas al folletín que al género de fantasía como la sexta entrega: Harry Potter y el Misterio del Príncipe (la peor película con diferencia de la saga).

Ahora llega la primera parte de la última y definitiva película sobre el niño mago. Estos filmes partidos en dos tienen el riesgo de que el primer fragmento peque de introductorio y poco emocionante en pos de un final espectacular para el que guardarse todas las cartas en la manga. Podemos decir que en este caso eso no ha ocurrido. Las Reliquias de la Muerte es un filme trepidante, entretenido que deja la miel en los labios para lo que llegará en Julio, momento en el que una saga que, guste o no, se ha hecho su huequecito en la historia del cine llegará a su fin.

Los Ojos de Julia: Impecable (e inverosímil) thriller con toques de terror

Para empezar esta crítica habría que ser completamente sinceros y decir que quien espere de Los Ojos de Julia una gran historia, en la que todas las piezas encajen y todo tenga sentido cuando el enigma final se resuelva va a sentirse muy defraudado.

Sin embargo si durante sus 111 minutos te dejas llevar sin pedirle a su trama ninguna coherencia podrás verte sorprendido por un filme que se basa en construir momentos de tensión, desde el primer minuto hasta su rocambolesco final sin dar descanso al espectador (quizás para que éste no sea consciente de la debilidad de la historia).

En esto sí que podemos decir que Los Ojos de Julia acierta de pleno, tanto su director Guillem Morales como los responsables de su música, su perfecta fotografía y su montaje dirigen todos sus esfuerzos en incomodarnos en nuestras butacas, en hacernos creer que a la vuelta de la esquina acecha un nuevo peligro para una Belén Rueda que una vez más consigue una gran empatía con el espectador con su buena interpretación.

Na Putu (en el camino): Amor en tiempos de posguerra

Las heridas de una guerra han sido y serán (sólo hace falta echar un vistazo a nuestra cinematografía para darse cuenta) tema recurrente para el cine. Dramas desgarradores nos han hablado sobre el horror y sobre las miserias de lo que ocurre en el campo de batalla y sus posteriores consecuencias.

Por eso se agradece que Na Putu, sea capaz de tratar temas tan duros como la guerra, el rencor o el fanatismo religioso, desde el punto de vista de una relación amorosa, actual y sincera que se tambalea por las consecuencias de un conflicto que marcó para siempre la vida de los habitantes de Sarajevo.

Incendies: la manera más perfecta de contar una historia

Ya van siendo pocos los post que nos quedan por públicar de esta 55ª edición de la Seminci y la crítica que nos ocupa era uno de ellos, y cómo me alegro de haber sido yo el encargado de hablaros de Incendies, una de las películas más relevantes del festival. Digo que me alegro porque no es que esta sea de lejos la mejor película que he visto en esta edición de la Seminci, sino que es una de las mejores películas que he visto en mucho, muchísimo tiempo.

Sin retorno: convencional drama con aire de telefilme

Cuesta entender los motivos que han llevado al jurado de la Seminci a dar la Espiga de Oro a un filme como Sin retorno, una obra cercana al telefilme de sobremesa de antena 3 en el que ni sus actores (habitualmente bordando sus papeles) pueden hacer nada por evitar la sensación de historia mil veces vista y contada mucho mejor.

Sin embargo en este caso la prensa (sin ser una de las peor recibidas su media no pasaba del 6,5 en el tablón crítico que publicaba El Norte de Castilla todos los días de festival) se ha debido equivocar, ya que el film de Miguel Cohan recibió también los galardones de la crítica y el prestigioso premio FIPRESCI.

Cyrus: Agridulce comedia independiente

Hay actrices que con el paso de los años han logrado una sólida carrera plagada de grandes actuaciones y que han conseguido mantenerse en el mundo de la interpretación pasados los 40. Diane Lane, Michele Pfeiffer.... el caso de Marisa Tomei se podría incluir en este selecto grupo, aunque habría que señalar como un rumor (dicen que el Oscar que logró por Mi primo Vinny fue un error cometido por la borrachera que llevaba encima Jack Palance) estuvo a punto de hundir su incipiente carrera.

Desde que repitió nominación por En la habitación Tomei ha conseguido un gran número de papeles importantes en los que nos ha vuelto a dejar con la boca abierta, especialmente en El Luchador. Cyrus no será una de las mejores interpretaciones de Tomei, pero su sola presencia hace que el filme de los hermanos Duplass se ilumine cada vez que aparece. Tanto ella como John C. Reilly y un sorprendente Jonah Hill son los grandes artífices del innegable encanto que tiene una comedia como ésta.

La Mosquitera: el riesgo no siempre funciona

De primeras hay que decir que siempre hay que aplaudir a aquellos realizadores que deciden arriesgarse con obras inclasificables y complicadas. Es difícil y pocos son los directores que han salido victoriosos de estos retos. Por tanto, lo primero es lo primero, hay que agradecer también el que haya filmes como La Mosquitera, que te hacen creer que todavía quedan muchas cosas por descubrir en el mundo del cine.

Dicho esto también hay que decir que desgraciadamente La Mosquitera no es uno de esos pocos casos en los que el director le ha ganado la pelea al riesgo, es más el resultado final es un filme excesivo, que cae del lado del ridículo en demasiadas ocasiones y que es demasiado consciente de su condición de "auteur".

Copie Conforme: entre los límites de la realidad y la ficción

Abbas Kiarostami vuele a la Seminci tras mucho tiempo sin saber nada de sus últimas obras. Puede que el hecho de que por primera vez haya rodado con actores europeos haya hecho pensar que su Copie Conforme podría ser un trabajo más comercial, sin embargo el director Iraní ofrece de nuevo su particular visión en un film más personal de lo que a simple vista puede parecer.

En Copie Conforme se narra la historia del encuentro entre un escritor inglés y una mujer francesa que reside en la Toscana durante un día en el que deciden sobrepasar los límites y "jugar" a ser un matrimonio de verdad.

Con esta simple premisa Kiarostami expone más que un filme narrativo algo parecido a un ensayo fílmico en el que las conversaciones, ágiles e inteligentes de los dos protagonistas hacen reflexionar al espectador sobre muchos temas, centrándose especialmente en el que supone el eje de la película: ¿puede una copia ser mejor que un original?

También la lluvia: el pasado siempre vuelve

Había mucha expectación en la Seminci por ver el nuevo trabajo de Iciar Bollaín, También la lluvia. Primero porque la directora vuelve a Valladolid quince años después de triunfar con su ópera prima y segundo porque su último film es el elegido para representar a España en la lucha por los Óscars.

Tras ver También la lluvia podemos decir sin miedo que este año es una buena (a ratos magnífica) película la que nos representa. No sabemos si llegará a estar entre las finalistas pero debemos sentirnos orgullosos de que sea una obra como esta, emocionante y necesaria, la que hable por nosotros delante de la academia de Hollywood.

En este último film, Iciar Bollaín pone en imágenes un guión de su pareja sentimental Paul Laverty (guionista habitual de Ken Loach) para hablarnos de como la historia parece condenada a repetirse una y otra vez a pesar de que hayan pasado por nosotros 500 años de evolución y progreso. Mediante un inteligentísimo juego de paralelismos entre la ficción (el rodaje de un film sobre Cristobal Colón) y la realidad (los propios actores y miembro del rodaje, la guerra del agua sufrida en Bolivia) Bollaín nos seduce y nos atrapa desde el primer momento, nos hace pensar y darnos cuenta de que a veces no nos diferenciamos tanto de aquellos españoles que realizaron todo un genocidio en América del sur.